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    Authors: Pelaudeix, Cecile;

    Relying on extensive field work, both in remote Arctic communities and outpost camps, and inside Canadian art collections, Cecile Pelaudeix's book presents a critical analysis of the Western perception of Inuit art, the theoretical assumptions underlying art history and anthropology discourse, and proposes a renewed interpretation of Kenojuak Ashevak's work (1959-2002), as well as a new understanding of contemporary Inuit art works at large. The author accords art work a deep meaning by revealing, in a wide range of Inuit art works, an expression of the Inuit soul, an "intensity of being" named tarniq for human beings, which is used to affirm a specific identity, in particular when it comes to feminine works. The method relies mainly on Aby Warburg's iconology. Cecile Pelaudeix shows the limits of a model of linear temporality where cultural time and natural time artificially coincide, arguing that such a model does not allow for a convincing articulation of art and history - as Panofsky had proven - and demonstrates the pertinence of an approach that refers to a heterogeneous conception of time. In a first part, the author shows that the process of analyzing, marketing, and displaying Inuit prints reproduce the western motif of the origin and death of art, familiar to modernism. In a second part, the author examines the relation between cultural time and historical time before relying on Warburg's concept of Nachleben and the anthropological definition of sources, to focus on Kenojuak Ashevak's work. Pelaudeix reveals the meaning of beauty in Kenojuak's works, and shows how the artist's prints are anchored in an Inuit shared vision of the world as well as in the innovative way she promotes the Inuit feminine world and explores deeply the dynamic notions of duality, duel and duos. The third part of the book addresses the question of singularity and diversity in art history: the author extends the method to the analysis of other Inuit artists' work. The book concludes on the relevance of the method in understanding what Féneon called "les arts lointains" ("remote arts"), their singularity which cannot be reduced to a fantasized essentialism, and allows for a new approach to art history, a reconfiguration of its own artistic geography.

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    Authors: Marguin, Séverine;

    L’analyse des temporalités des carrières d’artistes plasticiens permet de mettre en évidence la normalisation du parcours professionnel des artistes sur celui du modèle en entreprise. La valorisation de la jeunesse, à la fois par les acteurs institutionnels publics mais également par les acteurs privés du milieu de l’art contemporain, à travers l’émergence de la catégorie taxinomique de «jeune artiste», a conduit à l’instauration rigide de prescriptions temporelles, s’articulant autour du moment charnière des quarante ans : les artistes doivent avoir pu exploiter leur potentiel de création jusqu’à cet âge, au risque sinon de tomber dans l’oubli. Quelles stratégies les artistes mettent-ils en place pour composer avec cette norme en terme d’âge? The analysis of the temporalities of visual artists' paths highlights a normalization of artists' career on the basis of the model found in firms. The valorization of youth both by institutional public actors as well as individual actors from the contemporary art scene can be observed with regard to the rise of the taxonomical category of "youth artist". This has led to a rigid establishment of temporal prescriptions on forty years of age as a turning point: artists should have achieved their full creative potential until this age in order not to fall in oblivion. What kind of strategies do the artists appropriate in order to cope with this ageist norm?

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    Authors: Mayer Jouanjean, Isabelle;

    Notre thèse présente une approche sociale et environnementale de l'histoire des cyclones dans la société réunionnaise : il s'agit d'évaluer l'impact d'un événement destructeur, le cyclone, dans la mémoire collective et individuelle, dans l'évolution des sciences, des techniques, des alertes, de la gestion de la crise, de l'organisation des secours et de l'aménagement du territoire. Le cyclone peut donc être un objet d'Histoire à part entière. Parallèlement, notre recherche consiste à comprendre les conséquences des cyclones d'un point de vue géographique et humain. L'impact des cyclones est différent selon le lieu frappé et l'habitat ainsi que de leur évolution dans le temps. Par ailleurs, l'histoire des comportements humains apporte d'autres éléments à l'enquête avancée : la solidarité intègre cette région du monde dans un contexte national et international par l'aide sollicitée auprès de la métropole et d'autres pays. Les autorités et les services compétents entrent en compte pour l'administration de l'île et les choix à faire tant en terme de prévention, que d'information et de mobilisation. Parmi les cyclones marquants du XXème siècle, le cyclone des 26 et 27 janvier 1948 est communément appelé « le cyclone du siècle ». Cependant, le cyclone Jenny (28 février 1962), par ses apports, semble être le point de départ d'un demi-siècle de mutations. Et de fait, une césure dans l'histoire de la société réunionnaise. L'objectif final de notre recherche est de contribuer au progrès d'une prise de conscience collective des cyclones afin de mieux limiter les dégâts humains et matériels lors de leurs passages. Our thesis presents a social and environmental analysis of cyclones history into Reunion Island society: Our purpose is to estimate the impact of a destructive event, the cyclone, on the collective and individual memory, upon sciences and technology evolution, crisis management, emergency services organisation and area development. Then, cyclone can entirely be an object of History. At the same time, we aim to understand cyclones consequences from a geographical and human point of view. Cyclones impact can be different, depending on the place or housing conditions and the way that they evolve in the time. Moreover, history of human behaviour bring other elements to our enquiry: mutual assistance integrate this world area in a national and international context, with help request to French metropolis and others countries. We must take administration and civil services into account in the island management and in the choices to be made, as far as prevention, information or mobilization are concerned. Among outstanding cyclones of the XXth century, January the 26th and 27th of 1948 cyclonic system is usually considered as “the cyclone of the century”. However, the cyclone “Jenny” (February the 28th of 1962), by its contributions, could be considered as a starting point of a half century of mutations. And then a cut into history of Reunion Island society. The final aim of our research is to contribute to a progress of a collective consciousness of cyclones in order to limit human and material damages.

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    Authors: Roy-Marracci, Véronique;

    Au XVIIIème siècle, la "Correspondance littéraire" est un périodique manuscrit et clandestin exclusivement destiné à un petit cercle de princes européens qui se prétendent éclairés. Ces nouvelles à la main sur l’actualité culturelle parisienne offrent un témoignage exceptionnel sur la représentation du statut social et idéologique de l’intellectuel et sur les rapports qu’il peut entretenir avec la théorie de l’absolutisme éclairé.À une époque où le journalisme devient un métier à part entière, la Correspondance littéraire évoque fréquemment les conditions de sa production, explicite ses choix éditoriaux. Au fil des articles, les évocations du lecteur révèlent aussi qu’un des enjeux est de tendre aux illustres abonnés un miroir reflétant la perception de leur image, de leur pays et de leur politique dans l’élite de la société parisienne ou dans l’actualité littéraire.Au crépuscule des Lumières, lorsque les grandes figures de la philosophie disparaissent et que le bilan de l’absolutisme éclairé s’avère plutôt mitigé, comment la Correspondance littéraire évoque-t-elle les révolutions de 1776 et surtout de 1789 ? Comment préserve-t-elle son identité de périodique littéraire des princes dans cette période confusion du politique et du culturel ? In the XVIIIth century, the "Correspondance littéraire" was a handwritten secret periodical intended for a small group of European monarchs who considered themselves to be enlightened. It contained the latest news and information on French literary publications and Parisian cultural events and trends.As such, it presents a unique view of the social and ideological position of intellectuals during that period, and their attitude towards the theory of enlightened absolutism.The reader is implicitly involved in the text as the periodical strives to reflect both the image of its subscribers, as well as current political and social upheavals in a subtle but revealing way.As the great philosophers of the enlightenment died (Rousseau, Voltaire, Diderot), enlightened absolutism fell into decline and could no longer be considered as a viable political solution, how could the "Correspondance littéraire" portray the American War of Independence and the French Revolution?

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    Authors: Sanchez Albarracin , Enrique;

    Ancrée dans l'histoire des relations culturelles entre l'Europe et l'Amérique Latine, cette thèse analyse le discours hispano-américaniste qui apparaît en Espagne en 1892 au moment du IVe Centenaire de la découverte de l'Amérique. Soixante-dix ans après l'effondrement de son empire colonial, et alors que la Conférence Panaméricaine de Washington (1889-90) et l'Exposition Universelle de Chicago (1893) scellent déjà la prépondérance des Etats-Unis sur le continent américain, l'Espagne organise une célébration pour raviver les liens d'une communauté hispano-américaine transatlantique fondée sur une langue, une histoire et des traditions culturelles partagées. Orchestrée par les milieux officiels et la bourgeoisie professionnelle, cette commémoration s'apparente à la quête d'une image perdue dans un miroir dont les reflets dispersés au cours des cérémonies, congrès et expositions organisés dans le pays, semblent traduire l'état d'âme d'une nation qui voudrait se redonner la conscience d'exister. De l'autre côté du miroir les républiques latino-américaines recherchent désormais de nouvelles alliances internationales. Mais tandis que leur émancipation politique semble définitivement acquise, la conquête de l'autonomie culturelle constitue encore pour ces pays une démarche embryonnaire qui implique une redéfinition de l'héritage hispanique. C'est dans le cadre d'une confluence générationnelle inédite que se produit la confrontation culturelle que ce travail met en évidence, en révélant la convergence qui alimente le débat hispano-américaniste de 1892 et dont les prolongements réels et spéculatifs imprègnent encore aujourd'hui les relations entre l'Espagne et l'Amérique latine. The present thesis, rooted in the history of cultural relations between Europe and Latin America, analyses the concept of Spanish-America as it emerged in Spain in 1892 at the time of the 4th centenary of the discovery of America. Seventy years after its colonial empire had collapsed, in the shadow of the 1st Pan-American Conference (1889-90) in Washington and the 1893 Chicago World's Fair, which proclaimed the United States' dominance over the American continent, Spain organised a celebration intended to revitalise the ties of a transatlantic Spanish-American community founded on a shared language, history and cultural heritage. Officialdom and the professional middle classes joined forces to mount a commemoration that was a kind of quest for an image lost in a mirror, the reflections of which, scattered throughout a series of nationwide ceremonies, congresses and exhibitions, seem to express the mood of a nation seeking to retrieve the feeling of its own existence. Through the looking glass, the Latin American republics were by then in search of international alliances. Their political independence seemed solidly established, but the conquest of genuine cultural independence was still for them at an embryonic stage, requiring a rethinking of their Spanish heritage. In this context of an unprecedented confluence of generations arose the cultural confrontation this study seeks to highlight, disclosing the convergence feeding into the 1892 Spanish-American debate, the real and speculative extensions of which still to this day pervade relations between Spain and Latin America.

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    Authors: Zhou, Ying;

    Notre recherche a pour sujet la genèse de l’enseignement de l’histoire de l’art à l’école secondaire en France. Il s’agit précisément de sa fondation et son développement initial sous la IIIe République. Nous allons en premier lieu étudier l’institution scolaire et la discipline d’histoire de l’art à l’époque, car l’enseignement de l’histoire de l’art leur est lié étroitement. Dans le Chapitre I, l’étude va montrer la complexité du régime scolaire secondaire de France à l’époque. Il y a non seulement la distinction entre le public masculin et le public féminin, mais aussi entre l’enseignement classique et l’enseignement moderne, de telle sorte que l’enseignement de l’histoire de l’art n’est pas homogène au sens de l’importance comme de la finalité. Le chapitre II va chercher à rétablir l’histoire de l’institution de la discipline d’histoire de l’art en France, car l’enseignement à l’école secondaire s’attache au progrès de sa propre discipline. A l’époque, la discipline d’histoire de l’art se tient en phase initiale, où sa définition reste toujours imprécise. Par conséquent, la finalité et la pratique de son enseignement à l’école secondaire ne sont pas solides. Par la suite, la recherche va étudier l’évolution de cet enseignement. En premier lieu, il est constaté qu’il n’est jamais autonome. C’est-à-dire, il est greffé à d’autres cours, celui de dessin ou d’histoire en particulier. Le rôle qu’on assigne à l’histoire de l’art dans l’enseignement du dessin se différencie de celui dans l’enseignement de l’histoire : nous allons traiter dans le chapitre III plusieurs réformes majeures de l’enseignement du dessin, d’où peut se dégager le fait qu’au cours de dessin, l’histoire de l’art est généralement supposée compléter la pratique de dessin d’une culture élevée ; dans le Chapitre IV concernant l’histoire de l’art dans l’enseignement de l’histoire, il est constaté que, plus « l’histoire de la civilisation » détrône « l’histoire des faits », plus l’histoire de l’art est considérée, au cours d’histoire, comme étant indispensable à la compréhension de l’histoire générale. Au fur et à mesure de l’autonomisation de la discipline d’histoire de l’art, son enseignement à l’école secondaire est aussi censé être autonome par la réforme de 1925. L’étude des élèves doit porter sur les œuvres d’arts elles-mêmes – en considération de l’importance de cet événement, nous allons y dédier le Chapitre V. Il n’en existe pourtant pas, jusque-là, de régime indépendant de formation des professeurs spéciaux. L’enseignement continue à être confié aux professeurs de dessin ou d’histoire. L’étude sur le régime de sélection que suivent ces professeurs amène au constat que la compétence en histoire de l’art d’un professeur varie au gré des effets des réformes susdites. Le Chapitre VI va porter sur les moyens et outils pédagogiques à l’usage de cet enseignement, comme ouvrage d’art, photographie et projection, promenade et visite, etc. Nous allons aborder en dernier lieu « l’enseignement de l’histoire de la musique à l’école secondaire en France », vu que cet enseignement qui se donne presque en parallèle avec l’enseignement de l’histoire de l’art, ou fusionne parfois avec celui-ci, n’est pas encore pleinement étudié par les historiens. Outre le régime scolaire ou la discipline proprement dite, les courants artistiques et la tendance démocratique sur tous les plans sociaux donnent leurs répercussions à cet enseignement, si bien que l’art entre désormais en jeu de l’éducation civique et que le savoir en arts appliqués ou industriels occupe la place centrale de l’étude d’histoire de l’art. En même temps, le mouvement de pédagogie nouvelle fondée sur la pratique et l’observation au début du XXe siècle inspire cet enseignement Our research focuses on the genesis of the teaching of art history in secondary schools in France. This precisely means its foundation and initial development under the Third Republic. We will first study the educational institution and the discipline of art history at the time, since the teaching of art history is closely linked to them. In Chapter I, the study will show the complexity of the secondary school system in France at the time. There is not only the distinction between male and female audiences, but also between classical education and modern education, so that the teaching of art history is not homogeneous across the board in terms of importance and aims. Chapter II will seek to reestablish the history of the institution of the discipline of art history in France, since secondary school education is concerned with the progress of its own discipline. At the time, the discipline of art history was in an initial phase, where its definition was still imprecise. Therefore, the purpose and practice of its teaching in secondary school are not clear. Then, our research will study the evolution of this teaching. In the first place, it is observed that it is never autonomous. That is to say, it is grafted onto other courses, that of drawing or history in particular. The role assigned to art history in the teaching of drawing differs from that in the teaching of history: in Chapter III, we will deal with several major reforms in the teaching of drawing, hence the fact that in drawing courses, art history is generally supposed to complement the drawing practice of an high culture; in Chapter IV concerning one art history in the teaching of history, it is noted that the more “the history of civilization” dethrones “the history of facts”, the more art history is considered, in history, to be essential for the understanding of general history. As the discipline of art history became more autonomous, its teaching in secondary school was also supposed to be autonomous by the reform of 1925. The study of students should focus on the works of arts themselves - in view of the importance of this event, we will dedicate Chapter V to it. To this, however, there is no independent training regime for special teachers. Teaching continues to be entrusted to drawing or history teachers. The study of the selection regime followed by these professors shows that a professor's competence in art history varies with the effects of the previously mentioned reforms. Chapter VI will focus on the educational means and tools for this teaching, as art books, photos, projection, walk and visit, etc. We are going to approach lastly "the teaching of music history at secondary school in France", since this teaching which is given almost in parallel with the teaching of art history, or sometimes merges with it, is not yet fully studied by historians. In addition to the school system or the so called discipline itself, artistic currents and the democratic trend on all social levels give their repercussions to this teaching, so that art now comes into play in civic education and knowledge in applied or industrial arts occupies the central place of the study of art history. At the same time, the movement of new pedagogy based on practice and observation at the beginning of the twentieth century also inspires this teaching. 本文研究的是法国中学艺术史教学的初期情况,即在第三共和国时期的设立与发展情况。该教学与学校制度、学科制度息息相关,因此将首先对这两个问题进行考察。在第一章节中,研究展示了这一时期法国中学制度的复杂性。不仅有男校女校之分,还有古典教学与现代教学之分。艺术史教学在这些体系中的比重和要求均不相同。第二章节展示了艺术史学科在法国的建立过程,因为中学艺术史教学依托于学科的发展。这一时期,艺术史学科在法国还处于初级阶段,并且它的定义又始终存在模糊性,导致了中学艺术史教学的目标和实施也是不稳定的。接下来,论文将研究中学艺术史教学的发展过程。在这一时期,艺术史一直未被设立为独立课程,而是被移植到其他课程进行教学,尤其是素描课与历史课。这两个课程对艺术史的定位并不相同:在第三章节中,研究展示了几次重大素描教学改革中,艺术史是如何被当作素描练习的理论补充;第四章节则展示了,随着“文明史”逐渐取代传统的“事件史”,艺术史也相应地被确立为年轻人必学的历史。。到了二十世纪,艺术史学科的独立性愈加明显。到了1925年,艺术史在中学正式被设立为独立教学内容,即对作品本身进行分析学习。第五章节将对这一重大改革展开研究。但直到这个时候,仍然不存在专门的艺术史教师培养制度。艺术史教学主要还是由素描老师或历史老师承担。论文通过对这些老师的选拔制度进行研究,展示了老师的艺术史素养是随着上述教学改革而变化的。第六章节主要考察了几种主要教学手段和教学工具,例如艺术类著作、照片与投影、参观与散步等。本文最后一章节对法国中学音乐史的教学情况展开一段初步的研究,因为该教学与艺术史教学几乎同时发展,有时还合并到一个教学大纲中。除了学校制度和学科本身,该论文还展示了给艺术史教学带来影响的艺术潮流与方方面面的民主化趋势。首先,对艺术的认知成为公民素养的一部分。其次,应用艺术和工业艺术,作为经济发展的推动力,逐渐成为了艺术史教学的重要内容。同时,二十世纪初,重视实践与体验的新教学法运动来到法国,也给该教学带来了新的启发

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    Authors: Grün, Laurent;

    Dès 1890, les footballeurs français de haut niveau ont suscité l’intérêt de publics toujours plus nombreux. Mais s’ils ont été les premiers à attirer l'attention de l'opinion, il s'avère que les entraîneurs, qui sont demeurés longtemps méconnus, ont joué un rôle primordial dans l'évolution et les progrès du football français. A partir des années 1920, ils investissent le champ du ballon rond et tentent d'imposer leur vision de la pratique et de l'entraînement. Mais ils se heurtent à divers obstacles qui entraveront leur influence durant des décennies. L'ensemble des entraîneurs professionnels ne se constitue en véritable profession qu'à partir des années 1950, en s'appuyant sur une « Amicale », une organisation déterminante dans la structuration de leur identité, ainsi que sur une formation performante. Les entraîneurs deviennent plus visibles aux yeux du grand public depuis les années 1980. Mais en fait cette exposition médiatique est à double tranchant : si elle permet de souligner leur rôle dans les progrès du football français, elle met davantage encore en péril une stabilité professionnelle qui leur a toujours été contestée. L'histoire de la profession des entraîneurs s'organise autour de l'action d'individualités déterminantes comme Gabriel Hanot ou Georges Boulogne, mais également d'actions collectives souvent initiées par leur syndicat, mais aussi par leur hiérarchie représentée par la Direction Technique Nationale. Ces hommes et ces organisations ont pris conscience que l'action des entraîneurs ne se limite pas au terrain, ni à l'entraînement et à la compétition et que leur profession présente de nombreuses caractéristiques du travail des cadres. Since 1890, élite French footballers have become the centre of interest for an ever increasing number of people. But although players were the first to attract attention, it is taken for granted that coaches played the most prominent role in the evolution and improvement of French soccer. However, they remained largely unknown for many years. As early as the 1920s, they invested the area of French soccer and tried to teach their own perception of how to train for an play the game. But they faced some difficulties, which would slow their influence for several decades. Coaching did not become a real occupation till the 1950s, when they created an organization called “Amicale”, which played a decisive part in establishing their own identity as well as creating an efficient academy process. Coaches have become better known by the general public since the 1980s, but this new media coverage is a two-edged sword: on the one hand, it gives them credit for their action in improving French football, but on the other hand it threatens more and more their professional stability, which they have always been denied. The history of professional coaching suggests we take a look at the action of decisive individuals like Gabriel Hanot or Georges Boulogne, but also at collective actions which were often driven by their own union, or by their hierarchy through the D.T.N. (National Technical Direction). These men and organizations have become aware of the fact that coaching does not amount to the practice pitch alone, nor to training and competition, and that their occupation shows many similarities to managerial work.

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    Authors: Charleux, Isabelle;

    A partir de quelques exemples précis, nous poserons dans cet article la question du statut de l'artiste et de l'artisan dans la société mongole ancienne, et de leur adaptation à la demande l'icônes et d'objets bouddhiques. Nous soulèverons enfin la question de la part des artisans chinois dans une production religieuse contrainte par l'iconométrie tibétaine, et donc de l'existence d'un art religieux proprement mongol. La réintroduction du bouddhisme en Mongolie au XVIe siècle et la croissance rapide de l'institution religieuse entraîna une demande nouvelle en statuaire, peinture, architecture et objets de culte. Dans un premier temps, les icônes étaient offertes par les monastères tibétains et la cour chinoise, tandis que l'on employait les Chinois qualifiés vivant en territoire mongol à la construction et à la décoration de temples. Des ateliers de peinture et de sculpture mongole apparaissent, sans doute formés par les Chinois et des Tibétains, tandis que les moines eux-mêmes apprenaient dans leur cursus religieux des notions de peinture et d'architecture. Certains devinrent des artistes célèbres et totalement polyvalents en peinture, et sculpture comme en construction de temples et de stûpa, tel le célèbre Zanabazar. D'autres, s'ils n'étaient pas artistes, étaient capables de diriger des chantiers et de passer des commandes en vérifiant le respect strict de l'iconométrie bouddhique.La peinture et la statuaire en bois, en pierre, en terre et en papier-mâché était généralement une production locale : des moines formés à la peinture décoraient les murs et réalisaient des thangkas, et l'on commandait à des orfèvres mongols, souvent itinérants à l'intérieur des bannières, la vaisselle et les objets rituels. Ces artisans vivaient principalement de leurs troupeaux et recevaient des dons de nourriture en échange de leurs œuvres, l'art étant traditionnellement une activité domestique d'appoint pratiquée à la commande.Les sources révèlent que les nombreux charpentiers et menuisiers itinérants, ainsi que nombre d'orfèvres, forgerons et peintres étaient chinois. Ces artisans semblent avoir été particulièrement nombreux en Mongolie-Intérieure, et sont peut être les auteurs des grandes peintures murales de style sinisant réalisées dans une dizaine de temples de Höhhot et de la région au XVIIe siècle. La demande croissante de la part des monastères, mais aussi des particuliers, moines et laïcs, en icônes pour leurs autels, dut inciter les artisans chinois à se tourner vers ce nouveau marché en pleine expansion. La concurrence des œuvres fabriquées par les artisans chinois a-t-elle fait décliner une production domestique ? Par ailleurs, la grande statuaire en cuivre et en bronze exige un haut degré de spécialisation et la participation de nombreux artisans, et s'accommode mal avec le nomadisme pastoral. Dès le XVIIe siècle apparaissent des ateliers organisés en corporations dans les villes de Höhhot et de Dolonnor, fondés par des Chinois venant souvent du Shanxi. Rapidement leur production s'exporte dans toute la Mongolie, la Bouriatie et même la Chine et le Tibet, concurrençant les grands ateliers de Pékin. La statuaire fait ainsi l'objet de commerce et d'échange dans toute l'aire d'influence tibétaine. Du XVIIIe au début du XXe siècle, Dolonnor reste le principal centre de production et d'exportation, tandis que se forment des écoles plus locales, comme celle d'Ourga à la fin du XIXe siècle. A l'exception des peintures murales, le corpus d'œuvres mongoles conservées dans les monastères et les musées est hétéroclite en raison de la grande mobilité des œuvres : les statues fabriquées au Tibet y côtoient des pièces venant de Chine et de toute la Mongolie, si bien qu'il est difficile d'établir une typologie de cet art généralement qualifié de “ sino-tibétain ”. May we speak of Mongol art?Mongol images and monasteries from the 16th to the early 20th centuryIsabelle CharleuxThis paper addresses the twin issues of the status and the “nationality” of artists and artisans in traditional Mongol society, especially in the religious sphere. In particular, it examines the role of foreign artisans in the religious production, and therefore raises the question of the very existence of a purely Mongol religious art.The 16th century Buddhist revival and the subsequent rapid growth of the Mongol religious institution created a new demand for temples, images, paintings, and other religious paraphernalia. At first, images were offered by Tibetan monasteries and the Chinese court to the Mongols; at the same time Chinese immigrants built temples and palaces at the Southern Mongol princely courts. Subsequently, painting and sculpture workshops developed in Mongolia, and the monks themselves learnt painting and architecture in Buddhist academies. Some of them, such as Zanabazar, became famous polyvalent artists. Other were not artists but nonetheless managed artistic production by commissioning works and supervising artists in the strict respect of Tibetan iconometry. But, besides the Mongols progressive rise in the process of artistic production, there also existed differences in status between different productions. Painting, wooden, clay and papier-mâché statues were locally made by monks or lay artists, while bronze statues were made in professional workshops or by itinerant craftsmen. Chinese craftsmen, especially metalworkers and carpenters, but also painters, were numerous in Southern Mongolia. The growing demand in construction, statues and ritual objects attracted craftsmen from Northern China. At first, they were itinerant, and later they settled near monasteries. The production of large copper and bronze statuary, which requires a high degree of specialisation and the participation of numerous artisans, was not really suited to pastoral nomadism. Workshops organised in corporations developed during the 17th century. Mongols were first numerous in this art, but Chinese craftsmen replaced them in the 18th and 19th centuries. The famous workshops of Dolonnor and Beijing exported large bronze images to Mongolia, Buriatia, China and Tibet. Kökeqota and Urga had a more local production. Buddhist statuary was therefore the object of trade and exchange in all the Tibetan Buddhist world. Did the competition of Chinese craftsmen in the 18th and 19th centuries contribute to the decline of domestic production? May religious art objects produced by Chinese artisans for their Mongol patrons be considered Mongol?

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    Authors: Sidhom, Sahbi;

    La contribution de ce travail de thèse s'inscrit au sein d'un domaine multidisciplinaire regroupant le traitement automatique du langage naturel, l'indexation dans un système d'information documentaire et l'organisation des connaissances autour de l'information écrite. Sa particularité consiste en la mise à disposition d'outils pour le traitement automatique de l'information.L'objectif est de construire une Plate-forme d'analyse morpho-syntaxique pour l'indexation automatique et la recherche d'information. Elle est composée d'un noyau d'indexation automatique (processus d'indexation) qui utilise le modèle des syntagmes nominaux comme descripteurs de l'information textuelle. Ces syntagmes sont organisés selon une approche Logique Intensionnelle/Extensionnelle (processus de classification des connaissances) qui permet d'ordonner les objets d'une classe et de distinguer les classes de connaissances. A la base de cette dernière propriété, nous construisons notre approche pour la recherche d'information (processus de recherche d'information). Cette Plate-forme d'analyse dans sa logique de fonctionnement sera un outil d'investigation orienté vers l'organisation et la gestion des connaissances écrites.Dans notre recherche, cet aspect sur l'organisation des connaissances a été conduit dans le but de faire émerger les propriétés linguistiques et le traitement du langage dans une pratique expérimentale sur l'indexation automatique documentaire. Nous avons montré la nécessité de coordonner d'autres sources et stratégies dans l'exploration de ces propriétés. Il s'agit du mode de raisonnement et de la technique d'exploitation des objets du discours spécifiques à la gestion des connaissances (comme étape préalable à la recherche d'information).Ces deux derniers aspects (mode et technique) intégrés dans le processus de la présentation et de l'organisation du syntagme nominal offrent des scénarii pertinents pour la recherche d'informations. The contribution of this thesis work is registered within a multidisciplinary field gathering the natural language processing, the documentary indexing in information system and the knowledge organization about written information. Its characteristic consists of the availability of automatic tools for information processing. The objective is to build a morpho-syntactic analysis Platform for the automatic indexing and the information retrieval. It is made up of an automatic indexing core (indexing process) which uses the noun phrases (or nominal syntagms) model like descriptors of textual information. These syntagms were organized according to Intensional/Extensional Logic approach (knowledges classification process). On the basis of the last property, we incorporate our approach for the information retrieval (information retrieval process). This analysis Platform in its logic operating will be a tool for investigation directed towards the organization and the knowledge management of written information. In our research, this aspect about the knowledge organization was led with an aim to make emerge the linguistic properties and the language processing in an experimental practice on the automatic documentary indexing. We showed the need to coordinate other sources and strategies in the browsing of these properties. It is the mode of reasoning and the operating technique of the speech objects specifically to the knowledge management (as a preliminary in the information retrieval). These two last aspects (mode and technique) integrated in the process of the presentation and the organization of the noun phrase offer relevant scenarii for the information retrieval.

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    Authors: Pauly, Martial;

    Au travers d’une monographie des sites archéologiques d’Acoua, village de parler kibushi kimaore situé au nord-ouest de Grande Terre, cette recherche propose d’étudier la période des XIIe-XVIe siècles à Mayotte. Cette période est caractérisée par d’importants changements culturels, religieux et politiques conduisant à l’instauration progressive d’une société stratifiée et islamisée. Il sera notamment question, au travers des thématiques explorées par notre étude archéologique (pratiques funéraires, évolutions de la culture matérielle, intégration dans les réseaux marchands de l’océan Indien), de déterminer les filiations et processus culturels qui ont contribué à façonner la société ancienne de Mayotte, île dont le peuplement complexe, caractéristique des cultures dites « de franges », selon l’expression popularisée dans cette partie du monde par Paul Ottino, est située à la rencontre de grandes aires culturelles : monde africain bantou, monde malgache et monde arabo-persan, hissant cette île de l’archipel comorien au rang de véritable interface culturelle, commerciale et migratoire entre l’Afrique et Madagascar, « plaque tournante et microcosme de l’océan Indien » pour reprendre l’expression de Claude Allibert. Through this monograph of Acoua’s archaeological sites - a Kibushi kimaore speaking village located in the northwest of Grande Terre - this research proposes to study the XIIth-XVIth centuries period, in Mayotte. This period is characterized by important cultural, religious and political changes leading to the gradual establishment of a stratified and Islamized society. It will be question here, through the themes explored by our archaeological study (funerary practices, evolutions of material culture, integration in the Indian Ocean trading networks), to determine the cultural affiliations and processes that have contributed to shaping Mayotte’s ancient society, an island whose complex settlement, characteristic of cultures known as "fringes" - according to the expression popularized in this part of the world by Ottino - is located at the meeting of meany great cultural areas: African Bantou world, Malagasy world and Arab-Persian world, hoisting this island of the Comorian archipelago to the rank of true cultural, commercial and migratory interface between Africa and Madagascar : a "hub and microcosm of the Indian Ocean", to use the expression of Claude Allibert.

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    Authors: Pelaudeix, Cecile;

    Relying on extensive field work, both in remote Arctic communities and outpost camps, and inside Canadian art collections, Cecile Pelaudeix's book presents a critical analysis of the Western perception of Inuit art, the theoretical assumptions underlying art history and anthropology discourse, and proposes a renewed interpretation of Kenojuak Ashevak's work (1959-2002), as well as a new understanding of contemporary Inuit art works at large. The author accords art work a deep meaning by revealing, in a wide range of Inuit art works, an expression of the Inuit soul, an "intensity of being" named tarniq for human beings, which is used to affirm a specific identity, in particular when it comes to feminine works. The method relies mainly on Aby Warburg's iconology. Cecile Pelaudeix shows the limits of a model of linear temporality where cultural time and natural time artificially coincide, arguing that such a model does not allow for a convincing articulation of art and history - as Panofsky had proven - and demonstrates the pertinence of an approach that refers to a heterogeneous conception of time. In a first part, the author shows that the process of analyzing, marketing, and displaying Inuit prints reproduce the western motif of the origin and death of art, familiar to modernism. In a second part, the author examines the relation between cultural time and historical time before relying on Warburg's concept of Nachleben and the anthropological definition of sources, to focus on Kenojuak Ashevak's work. Pelaudeix reveals the meaning of beauty in Kenojuak's works, and shows how the artist's prints are anchored in an Inuit shared vision of the world as well as in the innovative way she promotes the Inuit feminine world and explores deeply the dynamic notions of duality, duel and duos. The third part of the book addresses the question of singularity and diversity in art history: the author extends the method to the analysis of other Inuit artists' work. The book concludes on the relevance of the method in understanding what Féneon called "les arts lointains" ("remote arts"), their singularity which cannot be reduced to a fantasized essentialism, and allows for a new approach to art history, a reconfiguration of its own artistic geography.

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    Authors: Marguin, Séverine;

    L’analyse des temporalités des carrières d’artistes plasticiens permet de mettre en évidence la normalisation du parcours professionnel des artistes sur celui du modèle en entreprise. La valorisation de la jeunesse, à la fois par les acteurs institutionnels publics mais également par les acteurs privés du milieu de l’art contemporain, à travers l’émergence de la catégorie taxinomique de «jeune artiste», a conduit à l’instauration rigide de prescriptions temporelles, s’articulant autour du moment charnière des quarante ans : les artistes doivent avoir pu exploiter leur potentiel de création jusqu’à cet âge, au risque sinon de tomber dans l’oubli. Quelles stratégies les artistes mettent-ils en place pour composer avec cette norme en terme d’âge? The analysis of the temporalities of visual artists' paths highlights a normalization of artists' career on the basis of the model found in firms. The valorization of youth both by institutional public actors as well as individual actors from the contemporary art scene can be observed with regard to the rise of the taxonomical category of "youth artist". This has led to a rigid establishment of temporal prescriptions on forty years of age as a turning point: artists should have achieved their full creative potential until this age in order not to fall in oblivion. What kind of strategies do the artists appropriate in order to cope with this ageist norm?

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    Authors: Mayer Jouanjean, Isabelle;

    Notre thèse présente une approche sociale et environnementale de l'histoire des cyclones dans la société réunionnaise : il s'agit d'évaluer l'impact d'un événement destructeur, le cyclone, dans la mémoire collective et individuelle, dans l'évolution des sciences, des techniques, des alertes, de la gestion de la crise, de l'organisation des secours et de l'aménagement du territoire. Le cyclone peut donc être un objet d'Histoire à part entière. Parallèlement, notre recherche consiste à comprendre les conséquences des cyclones d'un point de vue géographique et humain. L'impact des cyclones est différent selon le lieu frappé et l'habitat ainsi que de leur évolution dans le temps. Par ailleurs, l'histoire des comportements humains apporte d'autres éléments à l'enquête avancée : la solidarité intègre cette région du monde dans un contexte national et international par l'aide sollicitée auprès de la métropole et d'autres pays. Les autorités et les services compétents entrent en compte pour l'administration de l'île et les choix à faire tant en terme de prévention, que d'information et de mobilisation. Parmi les cyclones marquants du XXème siècle, le cyclone des 26 et 27 janvier 1948 est communément appelé « le cyclone du siècle ». Cependant, le cyclone Jenny (28 février 1962), par ses apports, semble être le point de départ d'un demi-siècle de mutations. Et de fait, une césure dans l'histoire de la société réunionnaise. L'objectif final de notre recherche est de contribuer au progrès d'une prise de conscience collective des cyclones afin de mieux limiter les dégâts humains et matériels lors de leurs passages. Our thesis presents a social and environmental analysis of cyclones history into Reunion Island society: Our purpose is to estimate the impact of a destructive event, the cyclone, on the collective and individual memory, upon sciences and technology evolution, crisis management, emergency services organisation and area development. Then, cyclone can entirely be an object of History. At the same time, we aim to understand cyclones consequences from a geographical and human point of view. Cyclones impact can be different, depending on the place or housing conditions and the way that they evolve in the time. Moreover, history of human behaviour bring other elements to our enquiry: mutual assistance integrate this world area in a national and international context, with help request to French metropolis and others countries. We must take administration and civil services into account in the island management and in the choices to be made, as far as prevention, information or mobilization are concerned. Among outstanding cyclones of the XXth century, January the 26th and 27th of 1948 cyclonic system is usually considered as “the cyclone of the century”. However, the cyclone “Jenny” (February the 28th of 1962), by its contributions, could be considered as a starting point of a half century of mutations. And then a cut into history of Reunion Island society. The final aim of our research is to contribute to a progress of a collective consciousness of cyclones in order to limit human and material damages.

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    Authors: Roy-Marracci, Véronique;

    Au XVIIIème siècle, la "Correspondance littéraire" est un périodique manuscrit et clandestin exclusivement destiné à un petit cercle de princes européens qui se prétendent éclairés. Ces nouvelles à la main sur l’actualité culturelle parisienne offrent un témoignage exceptionnel sur la représentation du statut social et idéologique de l’intellectuel et sur les rapports qu’il peut entretenir avec la théorie de l’absolutisme éclairé.À une époque où le journalisme devient un métier à part entière, la Correspondance littéraire évoque fréquemment les conditions de sa production, explicite ses choix éditoriaux. Au fil des articles, les évocations du lecteur révèlent aussi qu’un des enjeux est de tendre aux illustres abonnés un miroir reflétant la perception de leur image, de leur pays et de leur politique dans l’élite de la société parisienne ou dans l’actualité littéraire.Au crépuscule des Lumières, lorsque les grandes figures de la philosophie disparaissent et que le bilan de l’absolutisme éclairé s’avère plutôt mitigé, comment la Correspondance littéraire évoque-t-elle les révolutions de 1776 et surtout de 1789 ? Comment préserve-t-elle son identité de périodique littéraire des princes dans cette période confusion du politique et du culturel ? In the XVIIIth century, the "Correspondance littéraire" was a handwritten secret periodical intended for a small group of European monarchs who considered themselves to be enlightened. It contained the latest news and information on French literary publications and Parisian cultural events and trends.As such, it presents a unique view of the social and ideological position of intellectuals during that period, and their attitude towards the theory of enlightened absolutism.The reader is implicitly involved in the text as the periodical strives to reflect both the image of its subscribers, as well as current political and social upheavals in a subtle but revealing way.As the great philosophers of the enlightenment died (Rousseau, Voltaire, Diderot), enlightened absolutism fell into decline and could no longer be considered as a viable political solution, how could the "Correspondance littéraire" portray the American War of Independence and the French Revolution?

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    Authors: Sanchez Albarracin , Enrique;

    Ancrée dans l'histoire des relations culturelles entre l'Europe et l'Amérique Latine, cette thèse analyse le discours hispano-américaniste qui apparaît en Espagne en 1892 au moment du IVe Centenaire de la découverte de l'Amérique. Soixante-dix ans après l'effondrement de son empire colonial, et alors que la Conférence Panaméricaine de Washington (1889-90) et l'Exposition Universelle de Chicago (1893) scellent déjà la prépondérance des Etats-Unis sur le continent américain, l'Espagne organise une célébration pour raviver les liens d'une communauté hispano-américaine transatlantique fondée sur une langue, une histoire et des traditions culturelles partagées. Orchestrée par les milieux officiels et la bourgeoisie professionnelle, cette commémoration s'apparente à la quête d'une image perdue dans un miroir dont les reflets dispersés au cours des cérémonies, congrès et expositions organisés dans le pays, semblent traduire l'état d'âme d'une nation qui voudrait se redonner la conscience d'exister. De l'autre côté du miroir les républiques latino-américaines recherchent désormais de nouvelles alliances internationales. Mais tandis que leur émancipation politique semble définitivement acquise, la conquête de l'autonomie culturelle constitue encore pour ces pays une démarche embryonnaire qui implique une redéfinition de l'héritage hispanique. C'est dans le cadre d'une confluence générationnelle inédite que se produit la confrontation culturelle que ce travail met en évidence, en révélant la convergence qui alimente le débat hispano-américaniste de 1892 et dont les prolongements réels et spéculatifs imprègnent encore aujourd'hui les relations entre l'Espagne et l'Amérique latine. The present thesis, rooted in the history of cultural relations between Europe and Latin America, analyses the concept of Spanish-America as it emerged in Spain in 1892 at the time of the 4th centenary of the discovery of America. Seventy years after its colonial empire had collapsed, in the shadow of the 1st Pan-American Conference (1889-90) in Washington and the 1893 Chicago World's Fair, which proclaimed the United States' dominance over the American continent, Spain organised a celebration intended to revitalise the ties of a transatlantic Spanish-American community founded on a shared language, history and cultural heritage. Officialdom and the professional middle classes joined forces to mount a commemoration that was a kind of quest for an image lost in a mirror, the reflections of which, scattered throughout a series of nationwide ceremonies, congresses and exhibitions, seem to express the mood of a nation seeking to retrieve the feeling of its own existence. Through the looking glass, the Latin American republics were by then in search of international alliances. Their political independence seemed solidly established, but the conquest of genuine cultural independence was still for them at an embryonic stage, requiring a rethinking of their Spanish heritage. In this context of an unprecedented confluence of generations arose the cultural confrontation this study seeks to highlight, disclosing the convergence feeding into the 1892 Spanish-American debate, the real and speculative extensions of which still to this day pervade relations between Spain and Latin America.

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    Authors: Zhou, Ying;

    Notre recherche a pour sujet la genèse de l’enseignement de l’histoire de l’art à l’école secondaire en France. Il s’agit précisément de sa fondation et son développement initial sous la IIIe République. Nous allons en premier lieu étudier l’institution scolaire et la discipline d’histoire de l’art à l’époque, car l’enseignement de l’histoire de l’art leur est lié étroitement. Dans le Chapitre I, l’étude va montrer la complexité du régime scolaire secondaire de France à l’époque. Il y a non seulement la distinction entre le public masculin et le public féminin, mais aussi entre l’enseignement classique et l’enseignement moderne, de telle sorte que l’enseignement de l’histoire de l’art n’est pas homogène au sens de l’importance comme de la finalité. Le chapitre II va chercher à rétablir l’histoire de l’institution de la discipline d’histoire de l’art en France, car l’enseignement à l’école secondaire s’attache au progrès de sa propre discipline. A l’époque, la discipline d’histoire de l’art se tient en phase initiale, où sa définition reste toujours imprécise. Par conséquent, la finalité et la pratique de son enseignement à l’école secondaire ne sont pas solides. Par la suite, la recherche va étudier l’évolution de cet enseignement. En premier lieu, il est constaté qu’il n’est jamais autonome. C’est-à-dire, il est greffé à d’autres cours, celui de dessin ou d’histoire en particulier. Le rôle qu’on assigne à l’histoire de l’art dans l’enseignement du dessin se différencie de celui dans l’enseignement de l’histoire : nous allons traiter dans le chapitre III plusieurs réformes majeures de l’enseignement du dessin, d’où peut se dégager le fait qu’au cours de dessin, l’histoire de l’art est généralement supposée compléter la pratique de dessin d’une culture élevée ; dans le Chapitre IV concernant l’histoire de l’art dans l’enseignement de l’histoire, il est constaté que, plus « l’histoire de la civilisation » détrône « l’histoire des faits », plus l’histoire de l’art est considérée, au cours d’histoire, comme étant indispensable à la compréhension de l’histoire générale. Au fur et à mesure de l’autonomisation de la discipline d’histoire de l’art, son enseignement à l’école secondaire est aussi censé être autonome par la réforme de 1925. L’étude des élèves doit porter sur les œuvres d’arts elles-mêmes – en considération de l’importance de cet événement, nous allons y dédier le Chapitre V. Il n’en existe pourtant pas, jusque-là, de régime indépendant de formation des professeurs spéciaux. L’enseignement continue à être confié aux professeurs de dessin ou d’histoire. L’étude sur le régime de sélection que suivent ces professeurs amène au constat que la compétence en histoire de l’art d’un professeur varie au gré des effets des réformes susdites. Le Chapitre VI va porter sur les moyens et outils pédagogiques à l’usage de cet enseignement, comme ouvrage d’art, photographie et projection, promenade et visite, etc. Nous allons aborder en dernier lieu « l’enseignement de l’histoire de la musique à l’école secondaire en France », vu que cet enseignement qui se donne presque en parallèle avec l’enseignement de l’histoire de l’art, ou fusionne parfois avec celui-ci, n’est pas encore pleinement étudié par les historiens. Outre le régime scolaire ou la discipline proprement dite, les courants artistiques et la tendance démocratique sur tous les plans sociaux donnent leurs répercussions à cet enseignement, si bien que l’art entre désormais en jeu de l’éducation civique et que le savoir en arts appliqués ou industriels occupe la place centrale de l’étude d’histoire de l’art. En même temps, le mouvement de pédagogie nouvelle fondée sur la pratique et l’observation au début du XXe siècle inspire cet enseignement Our research focuses on the genesis of the teaching of art history in secondary schools in France. This precisely means its foundation and initial development under the Third Republic. We will first study the educational institution and the discipline of art history at the time, since the teaching of art history is closely linked to them. In Chapter I, the study will show the complexity of the secondary school system in France at the time. There is not only the distinction between male and female audiences, but also between classical education and modern education, so that the teaching of art history is not homogeneous across the board in terms of importance and aims. Chapter II will seek to reestablish the history of the institution of the discipline of art history in France, since secondary school education is concerned with the progress of its own discipline. At the time, the discipline of art history was in an initial phase, where its definition was still imprecise. Therefore, the purpose and practice of its teaching in secondary school are not clear. Then, our research will study the evolution of this teaching. In the first place, it is observed that it is never autonomous. That is to say, it is grafted onto other courses, that of drawing or history in particular. The role assigned to art history in the teaching of drawing differs from that in the teaching of history: in Chapter III, we will deal with several major reforms in the teaching of drawing, hence the fact that in drawing courses, art history is generally supposed to complement the drawing practice of an high culture; in Chapter IV concerning one art history in the teaching of history, it is noted that the more “the history of civilization” dethrones “the history of facts”, the more art history is considered, in history, to be essential for the understanding of general history. As the discipline of art history became more autonomous, its teaching in secondary school was also supposed to be autonomous by the reform of 1925. The study of students should focus on the works of arts themselves - in view of the importance of this event, we will dedicate Chapter V to it. To this, however, there is no independent training regime for special teachers. Teaching continues to be entrusted to drawing or history teachers. The study of the selection regime followed by these professors shows that a professor's competence in art history varies with the effects of the previously mentioned reforms. Chapter VI will focus on the educational means and tools for this teaching, as art books, photos, projection, walk and visit, etc. We are going to approach lastly "the teaching of music history at secondary school in France", since this teaching which is given almost in parallel with the teaching of art history, or sometimes merges with it, is not yet fully studied by historians. In addition to the school system or the so called discipline itself, artistic currents and the democratic trend on all social levels give their repercussions to this teaching, so that art now comes into play in civic education and knowledge in applied or industrial arts occupies the central place of the study of art history. At the same time, the movement of new pedagogy based on practice and observation at the beginning of the twentieth century also inspires this teaching. 本文研究的是法国中学艺术史教学的初期情况,即在第三共和国时期的设立与发展情况。该教学与学校制度、学科制度息息相关,因此将首先对这两个问题进行考察。在第一章节中,研究展示了这一时期法国中学制度的复杂性。不仅有男校女校之分,还有古典教学与现代教学之分。艺术史教学在这些体系中的比重和要求均不相同。第二章节展示了艺术史学科在法国的建立过程,因为中学艺术史教学依托于学科的发展。这一时期,艺术史学科在法国还处于初级阶段,并且它的定义又始终存在模糊性,导致了中学艺术史教学的目标和实施也是不稳定的。接下来,论文将研究中学艺术史教学的发展过程。在这一时期,艺术史一直未被设立为独立课程,而是被移植到其他课程进行教学,尤其是素描课与历史课。这两个课程对艺术史的定位并不相同:在第三章节中,研究展示了几次重大素描教学改革中,艺术史是如何被当作素描练习的理论补充;第四章节则展示了,随着“文明史”逐渐取代传统的“事件史”,艺术史也相应地被确立为年轻人必学的历史。。到了二十世纪,艺术史学科的独立性愈加明显。到了1925年,艺术史在中学正式被设立为独立教学内容,即对作品本身进行分析学习。第五章节将对这一重大改革展开研究。但直到这个时候,仍然不存在专门的艺术史教师培养制度。艺术史教学主要还是由素描老师或历史老师承担。论文通过对这些老师的选拔制度进行研究,展示了老师的艺术史素养是随着上述教学改革而变化的。第六章节主要考察了几种主要教学手段和教学工具,例如艺术类著作、照片与投影、参观与散步等。本文最后一章节对法国中学音乐史的教学情况展开一段初步的研究,因为该教学与艺术史教学几乎同时发展,有时还合并到一个教学大纲中。除了学校制度和学科本身,该论文还展示了给艺术史教学带来影响的艺术潮流与方方面面的民主化趋势。首先,对艺术的认知成为公民素养的一部分。其次,应用艺术和工业艺术,作为经济发展的推动力,逐渐成为了艺术史教学的重要内容。同时,二十世纪初,重视实践与体验的新教学法运动来到法国,也给该教学带来了新的启发

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    Authors: Grün, Laurent;

    Dès 1890, les footballeurs français de haut niveau ont suscité l’intérêt de publics toujours plus nombreux. Mais s’ils ont été les premiers à attirer l'attention de l'opinion, il s'avère que les entraîneurs, qui sont demeurés longtemps méconnus, ont joué un rôle primordial dans l'évolution et les progrès du football français. A partir des années 1920, ils investissent le champ du ballon rond et tentent d'imposer leur vision de la pratique et de l'entraînement. Mais ils se heurtent à divers obstacles qui entraveront leur influence durant des décennies. L'ensemble des entraîneurs professionnels ne se constitue en véritable profession qu'à partir des années 1950, en s'appuyant sur une « Amicale », une organisation déterminante dans la structuration de leur identité, ainsi que sur une formation performante. Les entraîneurs deviennent plus visibles aux yeux du grand public depuis les années 1980. Mais en fait cette exposition médiatique est à double tranchant : si elle permet de souligner leur rôle dans les progrès du football français, elle met davantage encore en péril une stabilité professionnelle qui leur a toujours été contestée. L'histoire de la profession des entraîneurs s'organise autour de l'action d'individualités déterminantes comme Gabriel Hanot ou Georges Boulogne, mais également d'actions collectives souvent initiées par leur syndicat, mais aussi par leur hiérarchie représentée par la Direction Technique Nationale. Ces hommes et ces organisations ont pris conscience que l'action des entraîneurs ne se limite pas au terrain, ni à l'entraînement et à la compétition et que leur profession présente de nombreuses caractéristiques du travail des cadres. Since 1890, élite French footballers have become the centre of interest for an ever increasing number of people. But although players were the first to attract attention, it is taken for granted that coaches played the most prominent role in the evolution and improvement of French soccer. However, they remained largely unknown for many years. As early as the 1920s, they invested the area of French soccer and tried to teach their own perception of how to train for an play the game. But they faced some difficulties, which would slow their influence for several decades. Coaching did not become a real occupation till the 1950s, when they created an organization called “Amicale”, which played a decisive part in establishing their own identity as well as creating an efficient academy process. Coaches have become better known by the general public since the 1980s, but this new media coverage is a two-edged sword: on the one hand, it gives them credit for their action in improving French football, but on the other hand it threatens more and more their professional stability, which they have always been denied. The history of professional coaching suggests we take a look at the action of decisive individuals like Gabriel Hanot or Georges Boulogne, but also at collective actions which were often driven by their own union, or by their hierarchy through the D.T.N. (National Technical Direction). These men and organizations have become aware of the fact that coaching does not amount to the practice pitch alone, nor to training and competition, and that their occupation shows many similarities to managerial work.

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    Authors: Charleux, Isabelle;

    A partir de quelques exemples précis, nous poserons dans cet article la question du statut de l'artiste et de l'artisan dans la société mongole ancienne, et de leur adaptation à la demande l'icônes et d'objets bouddhiques. Nous soulèverons enfin la question de la part des artisans chinois dans une production religieuse contrainte par l'iconométrie tibétaine, et donc de l'existence d'un art religieux proprement mongol. La réintroduction du bouddhisme en Mongolie au XVIe siècle et la croissance rapide de l'institution religieuse entraîna une demande nouvelle en statuaire, peinture, architecture et objets de culte. Dans un premier temps, les icônes étaient offertes par les monastères tibétains et la cour chinoise, tandis que l'on employait les Chinois qualifiés vivant en territoire mongol à la construction et à la décoration de temples. Des ateliers de peinture et de sculpture mongole apparaissent, sans doute formés par les Chinois et des Tibétains, tandis que les moines eux-mêmes apprenaient dans leur cursus religieux des notions de peinture et d'architecture. Certains devinrent des artistes célèbres et totalement polyvalents en peinture, et sculpture comme en construction de temples et de stûpa, tel le célèbre Zanabazar. D'autres, s'ils n'étaient pas artistes, étaient capables de diriger des chantiers et de passer des commandes en vérifiant le respect strict de l'iconométrie bouddhique.La peinture et la statuaire en bois, en pierre, en terre et en papier-mâché était généralement une production locale : des moines formés à la peinture décoraient les murs et réalisaient des thangkas, et l'on commandait à des orfèvres mongols, souvent itinérants à l'intérieur des bannières, la vaisselle et les objets rituels. Ces artisans vivaient principalement de leurs troupeaux et recevaient des dons de nourriture en échange de leurs œuvres, l'art étant traditionnellement une activité domestique d'appoint pratiquée à la commande.Les sources révèlent que les nombreux charpentiers et menuisiers itinérants, ainsi que nombre d'orfèvres, forgerons et peintres étaient chinois. Ces artisans semblent avoir été particulièrement nombreux en Mongolie-Intérieure, et sont peut être les auteurs des grandes peintures murales de style sinisant réalisées dans une dizaine de temples de Höhhot et de la région au XVIIe siècle. La demande croissante de la part des monastères, mais aussi des particuliers, moines et laïcs, en icônes pour leurs autels, dut inciter les artisans chinois à se tourner vers ce nouveau marché en pleine expansion. La concurrence des œuvres fabriquées par les artisans chinois a-t-elle fait décliner une production domestique ? Par ailleurs, la grande statuaire en cuivre et en bronze exige un haut degré de spécialisation et la participation de nombreux artisans, et s'accommode mal avec le nomadisme pastoral. Dès le XVIIe siècle apparaissent des ateliers organisés en corporations dans les villes de Höhhot et de Dolonnor, fondés par des Chinois venant souvent du Shanxi. Rapidement leur production s'exporte dans toute la Mongolie, la Bouriatie et même la Chine et le Tibet, concurrençant les grands ateliers de Pékin. La statuaire fait ainsi l'objet de commerce et d'échange dans toute l'aire d'influence tibétaine. Du XVIIIe au début du XXe siècle, Dolonnor reste le principal centre de production et d'exportation, tandis que se forment des écoles plus locales, comme celle d'Ourga à la fin du XIXe siècle. A l'exception des peintures murales, le corpus d'œuvres mongoles conservées dans les monastères et les musées est hétéroclite en raison de la grande mobilité des œuvres : les statues fabriquées au Tibet y côtoient des pièces venant de Chine et de toute la Mongolie, si bien qu'il est difficile d'établir une typologie de cet art généralement qualifié de “ sino-tibétain ”. May we speak of Mongol art?Mongol images and monasteries from the 16th to the early 20th centuryIsabelle CharleuxThis paper addresses the twin issues of the status and the “nationality” of artists and artisans in traditional Mongol society, especially in the religious sphere. In particular, it examines the role of foreign artisans in the religious production, and therefore raises the question of the very existence of a purely Mongol religious art.The 16th century Buddhist revival and the subsequent rapid growth of the Mongol religious institution created a new demand for temples, images, paintings, and other religious paraphernalia. At first, images were offered by Tibetan monasteries and the Chinese court to the Mongols; at the same time Chinese immigrants built temples and palaces at the Southern Mongol princely courts. Subsequently, painting and sculpture workshops developed in Mongolia, and the monks themselves learnt painting and architecture in Buddhist academies. Some of them, such as Zanabazar, became famous polyvalent artists. Other were not artists but nonetheless managed artistic production by commissioning works and supervising artists in the strict respect of Tibetan iconometry. But, besides the Mongols progressive rise in the process of artistic production, there also existed differences in status between different productions. Painting, wooden, clay and papier-mâché statues were locally made by monks or lay artists, while bronze statues were made in professional workshops or by itinerant craftsmen. Chinese craftsmen, especially metalworkers and carpenters, but also painters, were numerous in Southern Mongolia. The growing demand in construction, statues and ritual objects attracted craftsmen from Northern China. At first, they were itinerant, and later they settled near monasteries. The production of large copper and bronze statuary, which requires a high degree of specialisation and the participation of numerous artisans, was not really suited to pastoral nomadism. Workshops organised in corporations developed during the 17th century. Mongols were first numerous in this art, but Chinese craftsmen replaced them in the 18th and 19th centuries. The famous workshops of Dolonnor and Beijing exported large bronze images to Mongolia, Buriatia, China and Tibet. Kökeqota and Urga had a more local production. Buddhist statuary was therefore the object of trade and exchange in all the Tibetan Buddhist world. Did the competition of Chinese craftsmen in the 18th and 19th centuries contribute to the decline of domestic production? May religious art objects produced by Chinese artisans for their Mongol patrons be considered Mongol?

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